No tenia intención de poner otra recopilación con novedades hasta el año que viene, pero al final me he encontrado con 20 canciones bien majas, y me ha salido una selección muy interesante que merecía la pena. La gran mayoría de temas son de discos que ya han caído en el blog, pero también hay algunas novedades, como las de Elvis Perkins, Collen Green o El Último Vecino. Además, con eso de que se acaba el año, algunos artistas se han animado a sacar caras-b y outtakes de sus últimos trabajos. Es el caso de Mogwai, que mañana mismo sacan un nuevo Ep, y el de Hamilton Leithauser, que se ha metido en el estudio, y ha grabado una canción el solito tocando todos los instrumentos. También hay una versión, en este caso la que hace J Mascis del Fade Into You de Mazzy Star. Por cierto, que esta canción ya cayó en otra recopilación del blog, pero en ese caso eran Au Revoir Simone, que hacían una versión en clave synth-pop, muy diferente a la acústica que hace el líder de Dinosaur Jr.
Espero que os guste, la próxima ya será de las mejores canciones del año.
Fade Into You / J Mascis 4:35
Hogus Pogus / Elvis Perkins 2:42
First Local Recording / Bigott 2:40
Come Back To / Bored Nothing 3:36
Treen Girl / The Hit Parade 2:36
Spin-O-Rama / The Primitives 2:45
Opinión de mierda / Los Punsetes 2:33
Pay Attention / Colleen Green 2:46
Class Historian / Broncho 3:32
This Grave Is My Bed Tonight / Johnny Aries 3:53
Tu Casa Nueva / El Último Vecino 3:15
Teenage Exorcists / Mogwai 3:30
Pointless Experience / Viet Cong 3:00
Driving Me Wild / Bryan Ferry 3:38
‘Tis A Pity She Was A Whore / David Bowie 5:27
Right Now / TV On The Radio 4:23
Caught in Midstream / Vic Godard & Subway Sect 3:13
Esta es una de las épocas que más me gustan del año, cuando ya no hay casi novedades, y se empiezan a dejar ver esos discos que han salido a lo largo del año, y no han tenido mucha repercusión. De esto es algo que saben mucho The Hit Parade, que llevan editando discos desde mitad de los ochenta, y nunca han visto al éxito comercial pasar por su lado. También es cierto que ellos han pasado mucho del tema, y se han dedicado a sus respectivos trabajos fuera de la música. Cada cierto tiempo reúnen una serie de canciones, y deciden hacer un disco. No hay más pretensiones que las de crear música y hacer unos conciertos de vez en cuando. Supongo que, a estas alturas, ya estarán de vuelta de todo, y hace tiempo que vieron la realidad de la industria musical.
Cornish Pop Songs es su séptimo álbum, y está inspirado en las gaviotas y en los pescadores de Caballas de Cornwall, una localidad costera del sudoeste de Inglaterra. Y es que, Julian Henry, el líder de la banda, dice estar harto de escuchar a la gente idealizar grandes ciudades como Londres, París o Nueva York, y no darse cuenta de lo bien que se vive en una ciudad como Cornwall. Desde luego, cada uno tiene su punto de vista, pero lo que está claro, es que a Henry le ha venido de maravilla como inspiración, ya que ha grabado un disco bien bonito.
Lo suyo es el pop sin aditivos, en el que las buenas melodías y los estribillos se llevan los honores. El pedal de distorsión es un artista invitado y casi todo el disco suena muy limpio. Quizá, de buenas a primeras, no sea tan atractivo como cuando nos encontramos con una guitarra ruidosa, pero a medida que vas escuchando los temas que lo componen, te va atrapando. Hay cortes realmente deliciosos como On a Rainy Day in Newlyn, Garage in Drift, Wonderful View y The Ghost of the Fishing Fleet, que se van más hacia el rollo acústico y relajado. Pero también hay buenos hits de pop instantáneo que te conquistan a las primeras de cambio por su frescura. Ahí es donde entran la cinematográfica There’s Somenthing About Mary, Girl from Penzance, que recupera un poco la electrónica de su anterior trabajo, y Treen Girl, que está cercana al C-86. Eso sí, con un sonido más limpio.
Como digo siempre, es una lástima que este tipo de trabajos pasen tan desapercibidos, pero bueno, más no podemos hacer.
John Grant es uno de esos artistas que triunfa mucho más fuera de su país que dentro. Quizá es porque vive en Islandia en lugar de los Estados Unidos, pero no deja de ser sorprendente el éxito que ha tenido en el último año en UK. Su “Pale Green Ghost” ocupó muchos de los primeros puestos de las listas de lo mejor del año, y le valió una nominación a los Brit Awards. Por eso no resulta extraño que se haya embarcado en una gira de siete fechas por las islas, en la que se ha dejado acompañar por Royal Northern Sinfonia, una de las mejores orquestas del país. La gira empezó el sábado pasado, y todavía le quedan cuatro fechas. Eso sí, está complicado conseguir una entrada, ya que hace semanas que están agotadas.
Antes de esa gira, a principios de octubre, hizo un concierto con la orquesta de la BBC en el que, junto a 60 músicos, interpretó 16 de sus composiciones. La demanda ha sido tal, que su sello se ha visto obligado a publicar la grabación de este concierto en un álbum doble que saldrá la semana que viene.
No hace falta decir lo bien que le vienen las cuerdas a las canciones de Grant, y la buena idea que ha tenido haciendo estos conciertos. Esto se refleja en los más de 80 minutos que dura el disco, donde Grant repasa sus canciones más relajadas (casi no hay espacio para la electrónica), y muestra la fuerza que le dan esas cuerdas. Resulta maravilloso escuchar como entran los violines en el estribillo de GMF; como llega la tormenta de trompetas en el final de It Doesn’t Matter to Him, o lo bonita que ha quedado TC and Honeybear, con ese toque tan épico. Por no hablar punto que le da la orquesta a Vietnam y Pale Green Ghost, los dos cortes que tienen algo de electrónica. Pero sin duda alguna, el momentazo es Queen Of Denmark, con la que cierra el concierto a lo grande. Y es que, esta canción, que ya es impactante en su versión original, queda grandiosa con esas cuerdas que entran a lo como un rayo en su contundente estribillo.
Un gran aplauso para el señor Grant y para sus 60 acompañantes.
Es posible que el nombre de Billy Thermal no le suene a mucha gente, pero si cambiamos el Thermal por Steinberg, ya os sonará un poco más. Si todavía no os dice nada, os puedo contar que, junto a Tom Kelly, este hombre escribió temas tan conocidos como True Colors de Cyndi Lauper, Eternal Flame de The Bangles, o el mítico Like a Virgin de Madonna. Por cierto, que esta última le vino a la cabeza mientras conducía el tractor de la granja de su padre. Nada que ver con esa góndola en la que Madonna se contorneaba en el vídeo de la canción. Unos años antes de eso, Steinberg lideraba una banda de new wave llamada Billy Thermal, con la que solo llegó a publicar un Ep en un sello independiente de Los Angeles. Eso sí, dejó grabado un álbum completo, que ahora ve la luz junto a ese Ep y tres demos. Este Lp se ha editado este año, y si eres fan del power-pop y la new-wave de finales de los setenta y principio de los ochenta, este disco te encantará.
Lo primero que sorprende al escuchar el Lp, es encontrarse con versiones anteriores de canciones que luego popularizaron otros artistas. Y es que, Steinberg no tuvo reparos en dar a Linda Rondstadt su How Do I Make You para que esta lo convirtiera en un top 10 en 1980, o I’m Gonna Follow You, para que Pat Benatar la incluyera en su segundo álbum. Las dos están incluidas aquí en versiones mucho más primitivas, y, por supuesto, cercanas al sonido power-pop y new-wave de la época. Aunque sí es cierto que la versión de Rondstadt era de lo más Blondie, y la de Benatar era una macarrada.
Lo que es increíble de esta historia, es que el disco nunca llegará a salir. Y es que, en este trabajo, también encontramos muestras del talento que llevo a Steinberg a conseguir cinco números uno años después. Ahí están I Tell You My Dream, la fantástica Control o la simpatica The Price I Pay. Quizá baja un poco el listón a mitad del disco (I’m Your Baby y Didn’t See It le han quedado un poco sosas), pero recupera el vuelo cuando aparecen I Need You y Julie, la inevitable canción con nombre de chica. Además, las demos del final muestran que podía haber seguido dando guerra un poco más de tiempo.
No sé muy bien cuál es el motivo de la publicación de este álbum ahora, 34 años después de su grabación, pero no está demás escucharlo y pasar un buen rato con él.
Cuarto álbum de Los Punsetes, y cuarto pelotazo. Parece que los madrileños son incapaces de hacer un disco malo, bueno, mejor dicho: son incapaces de no hacer un disco no sea notable. Su alianza con Pablo Díaz-Reixa (El Guincho) les ha venido de perlas para su sonido, y en este nuevo trabajo siguen explotando la fuerza que les da la producción del artista canario. Algunos dirán que es lo mismo de siempre, y que empiezan a repetirse, pero en realidad sí que se aprecian cambios en este nuevo trabajo. Yo, por lo menos, los veo un poco más oscuros, y más cabreados de lo normal. Esto hace que nos encontramos ante sus letras más directas, y que, en muchos casos, se hayan dejado la acidez de lado, para ir directos a la yugular.
LPIV es disco con un sonido muy crudo, en el que las guitarras suenan sucias y, en algunos casos, un tanto incomodas. Un buen ejemplo es Los últimos días de Sodoma, en el que supongo que han querido reflejar la destrucción que describen en la canción con una contundente tormenta de guitarras al final de la canción. Por cierto, no es difícil adivinar a que ciudad está dedicada la canción. Una crudeza y contundencia que también reflejan Falso documental (esta canción debe de tener las guitarras más potentes de su carrera), y en Nit de L’Albà, el estupendo tema con el que cierran el disco.
Si hay algo que me gusta de Los Punsetes, son sus hits descarados. No sé cómo lo hacen, pero en cada disco consiguen hacerse con más de media docena de temas que se pegan como una lapa a las primeras de cambio. Este disco no es una excepción, y desde la primera canción, esa Amanece más temprano, tan simple como efectiva, ya están dando muestras de su enorme talento a la hora de conjugar letras inteligentes y melodías creadas con unas buenas guitarras distorsionadas. Junto a ella, nos encontramos con Bonzo o Me gusta que me pegues, que son geniales, pero yo me quedo con dos: Museo de historia natural y Opinión de mierda. Se podría decir que son las dos canciones más pop del disco, en las que les cuesta un poco más pisar el pedal de distorsión. Sobre todo en la segunda, que es toda una hostia a los que necesitan dar su opinión sobre todo continuamente. Un grupo en el que estamos una gran cantidad de españoles. Ya lo dicen ellos, “formas parte de ese 90% de gente que se cree mejor que el resto”.
Sin duda alguna, uno de los discos nacionales del año.
Subway Sect fue una de las muchas de bandas de punk británico que salieron a mediados de los setenta que no consiguieron trascender tanto como Sex Pistols o The Clash. Eso no significa que fueran peores, es más, Joe Strummer siempre dijo de ellos que, junto con The Slits, eran la mejor banda de aquella época. También es cierto que Vic Godard, su líder, era más inquieto, musicalmente hablando, y no tenía reparos en dejarse llevar por otros estilos muy diferentes al punk. De hecho, en 1980 se adelantaron al revival rockabilly que se viviría unos años después, con What’s the Matter, Boy?, un trabajo que la crítica calificó de demasiado retro. Tras él, Godard dejo la música para ser cartero, pero a principio de los noventa le picó de nuevo el gusanillo, y desde entonces, ha estado sacado cosillas.
1979 Now! es el disco Northern Soul de Vic Godard, en el que refleja la obsesión que le dio por ese tipo de música en ese año. Son canciones que ha escrito durante todos estos años, como Holiday Hymn, que data de 1980, y que a muchos os sonará porque, un año después, Orange Juice la convirtieron en un éxito. Y es, que Edwyn Collins fue un fan de Subway Sect cuando era joven, y un día se enamoró de esa canción cuando la escuchó un vinilo pirata. Por eso no sorprende que se el propio Collins el que produce este trabajo que hoy os dejo aquí, cerrando así el circulo que les ha unido desde hace más de treinta años.
Escuchar 1979 Now! es transportarse directamente a ese año, y dejarse llevar por una colección de canciones enorme. Nada sobra en esta media hora de música, ni siquiera la intro, con la que la abre, y la outro, con la que lo cierra. Godard está sembrado, y la mano de Collins le viene como anillo al dedo. No hay una sola canción que me resulte mala en todo el disco, y casi todas podrían ser un single perfecto de aquel año. Eso sí, si tengo que elegir una para representar al disco, esa es Caught In Midstream, que es una auténtica delicia. Aunque también apuntan muy alto con You Made Me, un pedazo de medio tiempo, vibrante y emocionante.
Si os gusta el Northern Soul, vais a disfrutar como unos enanos con este disco. Yo voy a ver si encuentro una copia en vinilo, que la portada también es muy chula.
Changesonebowie, The Best Of Bowie, Golden Years, Sound + Vision, Changesbowie, The Singles Collection, Best Of Bowie…El señor Bowie colecciona recopilaciones como si fueran cromos y, aunque seguro que mucha de la culpa la tiene su discográfica, no creo que sea muy bueno para el artista vender lo mismo tantas veces. Además, si lo que quieren es captar a nuevos seguidores, es absurdo, ya que en la serie media de cualquier gran almacén puedes encontrar varias de estas recopilaciones a precios muy bajos.
Nothing Has Changed pretende ser una retrospectiva fiel del medio siglo de vida musical de Bowie, algo que es realmente difícil. Pero esta vez, Bowie, que ha elegido el mismo el repertorio, ha dado en el clavo. Por lo menos en la edición en triple CD, que es la que tiene más chicha. En esta recopilación, que va en orden cronológico a la inversa, es decir, que empieza por el final de su carrera, Bowie hace mucho más que recopilar sus canciones más famosas, y en el primer CD encontramos cosas muy jugosas. Ya no solo el nuevo single que ha sacado para promocionar la recopilación, esa Sue (Our In Season Of Crime) tan jazzy, que ha dejado a todo el mundo un poco del revés, también hay canciones de sus últimos trabajos que no aparecen en sus recopilaciones previas. Ahí está Everyone Says Hi, que pertenecía al Heathen, pero no fue ni single ni nada, o Seven, que era de lo poco salvable de Hours, y aquí ha incluido el remix de Marius De Vries, que mejoraba la canción una barbaridad. Por no hablar de que también nos encontramos un par temas que hizo para la banda sonora del Buddha of Suburbia, o las primeras grabaciones de su carrera, cuando componía sus canciones bajo el nombre de Davie Jones With The King Bees.
Otro de los alicientes de la recopilación, es la inclusión de algunos temas inéditos que no han salido oficialmente hasta ahora. Es el caso de You Turn To Drive, que solo se publicó a través de iTunes, y el de una versión de Let Me Sleep Beside You, que estaba incluida en Toy, el álbum fantasma que, extrañamente, nunca se editó. Aparte de esto, luego también están los típicos remixes, como el de Love Is Lost que le hizo James Murphy, que, afortunadamente, aparece en la versión radio-edit, o el de Time Will Crawl de MM, que, muy acertadamente, le quita el toque ochentero de la original, y hace una versión más sucia.
Por supuesto, también están todos los hits, y no falta ni una de las canciones que han hecho de él uno de los artistas más grandes de la historia. Además, es una buena forma de comprobar como siempre ha intentado hacer algo diferente, y, aunque algunas veces no le saliera bien (las que menos), le honra el hecho de que nunca haya querido estancarse. Gracias a esto, se ha convertido en el artista más influyente de todos los tiempos, y no lo digo yo, lo dicen las decenas de encuestas que han hecho los medios de todo el mundo.
Es muy probable que a muchos no os suene de nada el nombre de Johnny Aries, pero este chico es, desde hace unos años, el guitarrista en directo de The Drums. Ahora, tras mudarse de su Inglaterra natal a los Estados Unidos, edita su álbum de debut, en el que parece que no ha olvidado su hogar (solo hay que ver la portada). Su música se asemeja bastante a la de la banda en la que toca, y en ella podemos ver la influencia del rock norteamericano de los cincuenta, o de Roy Orbison, artista al que el mismo menciona en sus entrevistas. Pero si hay un nombre que viene a la cabeza cuando escuchamos sus canciones, es el de The Smiths. Y es que, al chico, le gusta sincerarse y hacer baladas muy cercanas a las de la banda de Manchester. Algo que lo aleja un poco del sonido de The Drums.
Unbloomed es un álbum melancólico, en el que Aries se lamenta de muchas de las cosas que ha hecho hasta ahora, pero también refleja las esperanzas que le dieron su cambio de continente hace unos años. Esto hace que nos encontremos ante una especia de montaña rusa de emociones, en la que el británico juega con nuestros oídos. Es capaz de crear hits de pop incontestables, como es el caso de This Grave Is My Bed Tonight, To Be Desire o Ambulette (esta es puro The Smiths), que harían bailar a cualquiera. Pero también es capaz deprimir a la persona más feliz de la tierra con sus baladas de corte 50s. En algunas de ellas, como en Unbloomed, Great Expectations, y sobre todo We’re Just Girls and Boys, la cosa le funciona, pero en otras termina aburriendo un poco.
Es un trabajo entretenido a ratos, en el que no le podemos negar que, al menos, ha conseguido plasmar el sonido que estaba buscando. Si sigue por su lado más pop y menos melancólico, nos puede dar más de una alegría.
La organización Red Hot lleva casi tres décadas luchando contra el SIDA, y sacando recopilatorios en los que un buen número de bandas se vuelcan y donan sus canciones. El primero fue el mítico Red Hot + Blue, en el que artistas como U2, Neneh Cherry (su versión de I’ve Got You Under My Skin es brillante) o David Byrne, se unieron para rendir un homenaje a Cole Porter, y concienciar a la gente sobre la enfermedad. En estos últimos años han ido sacando recopilatorios asiduamente (hasta casi una veintena), en los que han tirado de todos los estilos posibles. La música étnica, la explosión alternativa de principio de los noventa, o la cultura dance, sirvieron para que la gente mucha gente dejara de ver la enfermedad como una plaga para homosexuales y drogadictos, y se dieran cuenta de que cualquiera se podía contagiar. Hoy en día se ha convertido en una enfermedad crónica, pero sigue sin haber cura, y no está de más recordar que no hay que bajar la guardia. De ahí que sigan sacando recopilatorios (el Dark Was The Night de 2009 tenía cosas tremendas), y recaudando dinero, ya que hay muchos enfermos que no puede permitirse los medicamentos necesarios para seguir con vida.
Es muy complicado hacer una recopilación de versiones de un artista, y que el conjunto sea coherente. Normalmente, este tipo de homenajes, son muy irregulares, y depende mucho de la gracia de los artistas elegidos para la ocasión. Si encima eliges a un músico como Arthur Russell, que en su carrera tocó una buena cantidad de estilos, la cosa se hace más complicada. Para esta recopilación se han centrado en las dos facetas de su carrera que más reconocimiento le dieron: el folk y el disco. Todo dentro del poco éxito que tuvo, claro, ya que Russell nunca fue un artista que triunfara mucho en vida, y tan solo después de su muerte, en 1992, consiguió el reconocimiento que se merecía. Algunos de los artistas que aparecen por aquí, han confesado más de una vez que sus canciones han sido claves para su carrera, y le han nombrado como principal influencia. Es el caso de dos artistas tan dispares como Dev Hynes y Devendra Banhart (su Mala del año pasado está dedicado a él), que nos dan una idea de lo que nos encontramos por aquí.
Yo tengo que reconocer que tampoco es que le haya escuchado mucho, y que prefiero su faceta más dance. Quizá, por eso, es por lo que la versión que hace Robyn del Tell You (Today), es lo que más me gusta de todo el homenaje. Este tema de Loose Joints, uno de los proyectos disco de Russell, es todo un pelotazo gay disco, y Robyn lo actualiza de una forma brillante. Algo que no han conseguido Hot Chip con su versión de Go Bang de Dinosaur L, otro de los proyectos dance de Russell. Les ha quedado demasiado larga, y le dan muchas vueltas a lo mismo. Los que sí aciertan son Scissor Sisters y VEGA INTL., con That’s Us/Wild Combination y Arm Around You, ambas de Calling Out Of Context, la recopilación que sacó Rough Trade en 2004, donde nos encontrábamos con un Russell experimentando con la música electrónica, pero sin salirse del pop. Estos dos grupos se han olvidado del tono minimalista que tenían esas dos canciones, y han creado un par de hits para la pista de baile.
Si nos vamos a su faceta más experimental y folk, son Jose Gonzalez y Sufjan Stevens los que han triunfado con su versión. El primero lleva a su terreno This Is How We Walk On The Moon, un tema donde Russell experimentaba con su chelo (era un notable chelista), y el segundo hace una preciosa versión A Little Lost, una de las canciones más bonitas de Russell. Aunque también sorprenden un poco Cults con su revisión de Being It, un tema de World Of Echo, que tenía un corte más experimental que otros discos de Russell.
No es una mala recopilación, pero al ser tan ecléctica, cuesta un poco pillarle el punto. Aunque también es cierto que la obra del homenajeado da para muchas lecturas diferentes, y eso se refleja en el disco.
Evidentemente, lo que no hay son links de descarga, ya que todo lo que recauden va para la causa, y no seré yo el que les quite un solo euro.
Hace unas semanas tuve la oportunidad de ver My Secret World – The Story Of Sarah Records, el interesante documental que cuenta la historia del mítico sello de Bristol. En él hacen un repaso exhaustivo de todos los grupos del sello a base de anécdotas curiosas y, en algunos casos, graciosas, que cuentan la forma tan amateur que tenían de hacer las cosas. Una de las mejores historias se centra en The Orchids, que, al parecer, eran los niños malos de la discográfica. Pero no os penséis que tenían una actitud punk y destrozaban las habitaciones de los hoteles, lo suyo era algo tan inocente como gastar bromas telefónicas a sus compañeros de gira. Y es que, al fin y al cabo, estamos hablando de un grupo de pop de Sarah Records.
The Orchids tienen el dudoso honor de ser el único grupo de Sarah Records que todavía está en activo. Los escoceses se separaron cuando el sello dejó de existir en 1995, pero doce años después reaparecieron con Good To Be A Stranger, un nuevo disco que grabaron con el sello madrileño Siesta. Tras él, se dejaron caer por Pebble Records, donde grabaron el bonito The Lost Star. Ahora, cuatro años después, vuelven a cambiar de sello, y vuelven a España, concretamente a Acuarela, que ha editado en todo el mundo este Beatitude #9.
El sexto álbum de los escoceses presenta muy pocos cambios, y en él nos seguimos encontrando con un pop muy clásico, ese que depura elegancia y sensibilidad. No es que se estén repitiendo, es que no tienen ninguna necesidad de cambiar su propuesta a estas alturas. Los de Glasgow son unos auténticos expertos en crear armonías vocales que encajan perfectamente con sus melodías pop de guitarras cristalinas, algo que aquí vuelven a demostrar en canciones como Somenthing’s Going On, She’s Just a Girl, o esa preciosidad llamada Hey! Sometimes! También les funciona el asunto cuando pisan tímidamente el pedal de distorsión, y se ponen un poco (casi nada) más sucios. Es lo que hacen en la muy bonita Your Hear Send Me, que es una de esas baladas por las que ya merece la pena escuchar un disco.
Otra de las cosas en las que siempre han sido expertos The Orchids, es en fusionar su pop con algunos toques de soul, dando resultados muy notables. Aquí hay varios ejemplos, como la muy 60s A Perfect Foil o la elegante Good Words (Are Never Long), con la preciosa voz de Pauline Hynds, pero me quedo con Someone Like You, en la que se van hacia un soul muy sintético, digno de cualquier banda de los ochenta (no falta el saxo). De hecho, he visto en su twitter que no les ha gustado nada de nada una comparación que les han hecho con Level 42 (yo no me meto). Esta canción se alía muy bien con The Coolest Thing y Today’s the Day, donde recuperan su pasión por las bases electrónicas, y hacen dos temazos cercanos al pop escandinavo más actual.
Quizá les ha quedado un poco largo –hay tres o cuatro canciones que no están a la altura de sus mejores momentos-, pero Beatitude #9 es un trabajo muy interesante, y confirma algo que ya vislumbramos en sus dos discos anteriores: The Orchids no han perdido el talento de sus primeros años.
Don't Eat The Yellow Snow 
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