Sigo este repaso de lo que más me gustado del 2022 con esos cincuenta discos que, para mí, representan estos últimos doce meses. Cincuenta artistas y bandas que han logrado decirme algo y que su música se quede en mi subconsciente. Aunque tengo que decir que hay otros discos que no han entrado en esta tanda final pero que sí se han quedado a las puertas. Trabajos como los de Pale Blue Eyes, Hot Chip, Carolina Durante, o Kiwi JR., que también han sido una de mis bandas sonoras frecuentes durante este año. Incluso discos de artistas que no han caído por aquí, pero que también he escuchado mucho, como del de Rosalía o el de Betacam. Aunque bueno, todos ellos están la lista de canciones del año. En fin, en alguna cifra hay que poner el corte.

50. The 1975 – Being Funny In A Foreign Language

«No sabemos si ha sido cosa de la banda, o de su productor, pero el caso es que ‘Being Funny In A Foreign Language’, es el álbum coherente de The 1975. Y es que, tras los mandos, está Jack Antonoff, que de producir discos redondos va sobrado. Aunque no hay que quitarle merito a la banda, porque gran parte de la culpa de que estemos ante un disco más directo, la tienen esas letras un tanto simplistas en la que aseguran que el amor nos salvará de la catástrofe (creo que Arturo Pérez-Reverte no está de acuerdo con esto). Un cierto optimismo que acaba reflejándose en el resultado final de las canciones.«

49. Los Planetas – Las canciones del agua

«No sé si Los Planetas tenían este álbum planeado desde hace tiempo o simplemente es algo que ha ido surgiendo con el tiempo. Para mi gusto, la banda granadina ha estado un poco perdida durante el último año y medio, y los singles llenos de “actualidad” que han ido sacando en estos meses no han terminado de cuajar. Y creo que no ha sido del todo culpa suya Simplemente que la gente está saturada de información y necesita la música, el cine o la lectura como vía de escape. O al menos eso es lo que me pasa a mí. Pero lo cierto es que, ahora, en el conjunto de un álbum, y acompañados otro tipo de temas de temática diferente, la cosa vuelve a funcionar igual de bien que en todos sus álbumes.«

48. Horsegirl – Versions Of Modern Performance

«‘Versions of Modern Performance’ es un álbum que tiene una clara predilección por el indie-rock norteamericano de finales de los ochenta y principio de los noventa. Y deben de estar alucinando con su repercusión, porque no solo han conseguido que Steve Shelley y Lee Ranaldo de Sonic Youth colaboren en dos temas del disco, también han sido bendecidas por Pavement, que las han invitado a abrir sus recientes conciertos norteamericanos. Además de tener a John Agnello de productor. Y no es para menos, porque manejan estupendamente las guitarras crudas y pesadas, pero absolutamente melódicas. Además, tienen el suficiente talento como para fusionarlo con algo de post-punk y un lado más pop.»

47. The Reds, Pinks & Purples – Summer At Land’s End

«‘Summer at Land’s End’ presenta algún cambio en la carrera de The Reds, Pinks and Purples. Estamos ante un trabajo mucho más melancólico y triste que los anteriores. De hecho, ya no se fija tanto en los vecinos y vecinas de su barrio, y ahora se centra en escribir canciones que hablan de conectar con las personas y en las que busca encontrar la armonía con los demás. Quizá, también, por eso, no es un disco tan directo como sus primeros trabajos. Pero sí que cuenta con alguna de las canciones más bonitas de su carrera.«

46. Grace Ives – Janky Star

«‘Janky Star’ está coproducido por Justin Raisen, un productor de Los Ángeles que ha estado a los mandos de los últimos trabajos de Yves Tumor, Charli XCX, o Kim Gordon. Y eso es algo que se nota en el resultado final, porque, juntos, han sacado un sonido maravilloso. Sin alejarse nunca del pop, Ives se saca de la manga unos ritmos absolutamente deliciosos-se nota que maneja de maravilla esa Roland 505-, y los adereza con otro tipo de sonidos. Ahí está esa joya llamada “Loose” y su ritmo absolutamente contagioso, que hace una semana que me tiene loco. Además de esa trompeta que aparece en su estribillo. O esa “Angel of Business” tan pop que adereza con un sonido de lo más metálico.»

45. Craig Finn – A Legacy of Rentals

«Una de las cosas que hace de este trabajo algo especial, es esa sección de cuerdas que acompaña estas canciones. Además de las voces de Cassandra Jenkins y Annie Nero, que se dejan escuchar en muchos de estos temas. Ahí está esa “Messing With the Settings” que lo abre, en la que Finn tira de monologo hasta que llega su estribillo, que es una absoluta preciosidad. O en esa balada algo etérea, y casi ensoñadora, llamada “The Year We Fell Behind”, la cual, a pesar de sus cinco minutos, se hace corta. Algo que también ocurre con “Curtis & Shepard”, donde el protagonismo se lo lleva una coqueta caja de ritmos. Unos ritmos más electrónicos que también aparecen en “This is What It Looks Like”, el estupendo tema que cierra el álbum.»

44. Black Midi – Hellfire

«‘Hellfire’ es su tercer trabajo, y como en los dos anteriores, cada canción son varios mundos diferentes. Aquí hay rock progresivo, post-punk, flamenco, influencias del Scott Walker más esquivo, jazz, y mil cosas más. Y, como digo, hay temas en los que todo eso suena a la vez. De hecho, si miráis la lista de gente que ha trabajo en el álbum, veréis que cuenta con casi una veintena de músicos que han tocado todo tipo de instrumentos. Además de la destreza musical con la que cuenta la propia banda, que es tremenda. Y ojo con la labor de producción y mezcla, que es realmente brutal.«

43. Tears For Fears – The Tipping Point

«Uno nunca sabe por donde van a salir estos grupos que tuvieron su mayor momento de gloria en los ochenta. La tentación de recuperar el sonido que los hizo grandes siempre está ahí, pero también las ganas de hacer algo diferente. Lo bueno, y con lo que pueden jugar fácilmente Tears For Fears, es que ellos tocaron todos los palos posibles. Eran capaces de hacerte un hit de synth-pop, temas directos de new-wave, cosas algo más oscuras y cercanas al post-punk, o baladas un poco más mainstream. Y con esa variedad también juegan en este trabajo.«

42. Sharon Van Etten – We’ve Been Going About This All Wrong

«Para ilustrar estas canciones, Van Etten ha decidido meterse de lleno en su faceta más electrónica y épica. De hecho, a pesar de que ha contado con un poco de ayuda, ella misma ha tocado la guitarra, sintetizadores, piano, caja de ritmos, teclados, y buen montón de instrumentos más. Y con todo esto, ha creado un conjunto de canciones que, en su gran mayoría, son reposadas y sintéticas. Temas como “Darkness Fades”, “Anything” o “Born”, que terminan con derroches de épica absolutamente emocionantes. O esa “Headspace” más cruda y sucia que, sin embargo, también pone los pelos de punta. Además, también sabe cuando contenerse un poco y dejar que las canciones fluyan sin necesidad de que exploten. Es el caso de la maravillosa “Home to Me”, que cuenta con un teclado que es una delicia. O de la intimidad desgarradora que muestra en “Darkish”.»

41. Spiritualized – Everything Was Beautiful

«‘Everything Was Beautiful’ es uno de los proyectos más ambiciosos de Pierce. El músico británico ha llegado a tocar hasta 16 instrumentos diferentes en este trabajo. Además, en él, han colaborado treinta músicos. Entre ellos su hija Poppy, a la que podemos escuchar justo al comienzo del álbum. De hecho, la idea inicial de Pierce era hacer un disco doble con las canciones de su anterior trabajo y las de este, pero el dueño de su sello se lo desaconsejo. Y lo cierto es que, si lo miramos bien, son dos trabajos que se complementan muy bien y tienen muchas cosas en común, como la figura del astronauta que tanto le gusta. Además de su sonido.»

40. Air Waves – The Dance

«Tenia muchas ganas de hincarle el diente a este ‘The Dance’. Porque, como ya he dicho antes, es una de mis obsesiones, pero también porque los singles de adelanto que ha ido sacado en los últimos meses me han parecido alucinantes. Y es que, ahí, ya se notaba un pequeño cambio en su música. La artista neoyorquina se inspiro en un club de su ciudad al que era asidua y que apenas duró ocho meses abierto. Esas noches de bailes le sirvieron para dar una colección de canciones que, curiosamente, tienen muy poco de bailables, pero que sí son un poco más sintéticas. Salvo “Wait”, donde sí que se acerca muy tímidamente a esa pista de baile. Y hay que decir que el resultado no puede ser mejor, porque estamos ante una de las grandes canciones de 2022. Además, me encanta su vídeo.»

39. Sunflower Bean – Headful Of Sugar

«Estamos ante un álbum de lo más ecléctico en el que hay slow-disco, rock de lo más sucio, pop con sabor a los ochenta, o electrónica un tanto oscura. De lo que apenas hay rastro es de esa new-wave neoyorquina de finales de los setenta que tan buenos resultados les dio en su anterior trabajo. Quizá, tan solo se puede ver algo de eso en la retro, y estupenda, “Baby Don’t Cry”. Pero no pasa nada, porque manejan muy bien todos esos estilos. Empezando por ese disco sedoso y tranquilo que encontramos en “Who Put You Up To This?”, y que abre el álbum de la mejor forma posible. Pero también, en la juguetona, pegadiza, y algo ensoñadora, “In Flight”, donde Nick Kivlen lleva la voz cantante. Además del pop tan directo y pegadizo que nos dejan en “I Don’t Have Control Sometimes” y “Post Love”.»

38. Alex Cameron – Oxy Music

«Las drogas vuelven en el tema que cierra y da título al álbum. Y ojo, porque tengo que dedicarle un párrafo entero a esta canción, ya que me atrevería a decir que está entre las mejores de su carrera. Es un tema vibrante que se va a los seis minutos, y que está divido en dos partes. En la primera, nos encontramos con un synth-rock coronado por una potente batería, y con la voz de Jason Williamson de Sleaford Mods. Sin embargo, en la segunda, entra en teclado de lo más luminoso y una voz femenina que nos deja un estribillo absolutamente redondo que se repite durante varios minutos. Aunque eso sí, la música es muy pop, e incluso bailable, pero estamos ante una parte final que habla del suicidio. En cualquier caso, es una canción impresionante.«

37. The Stroppies – Levity

«En ‘Levity’, The Stroppies suenan más potentes y vigorosos que nunca. Porque, aunque no se han quitado de encima su sonido un tanto lo-fi, sí que han mejorado un poco su producción. Y eso nota desde el principio con la estupenda “The Perfect Crime”, que cuenta con una batería más potente de lo habitual, además de una estructura un tanto extraña. De hecho, en su minuto final, se convierte en otra canción completamente diferente. Una especie de “experimento” que también practican en “Material Condition”, que pasa de ser una perezosa canción de jangle-pop, a una más juguetona y absolutamente deliciosa -me encantan como entra la guitarra en su tramo final-. Además, tiene el honor de ser la canción más larga de su carrera. Y si nos vamos a “Tricks on Everything”, nos encontramos con una rareza un tanto arrítmica, que la verdad es que también tiene su rollo.«

36. The Boys With The Perpetual Nervousness – The Third Wave Of…

«Al igual que sus dos anteriores trabajos, este ‘The Third Wave Of…’ es una autentica delicia en la que el indie-pop y el power-pop son los auténticos protagonistas. Taylor y Marcos tienen muy claro que lo suyo es crear encantadoras y melódicas canciones que no esconden sus influencias. Una vez más, hay ecos de The Byrds, Teenage Fanclub, Velvet Crush o The Cars, en estas nuevas canciones. Y sí, puede parecer fácil lanzarse a esta piscina, pero también hay que tener talento para que las melodías y estribillos funcionen. Algo que The Boys With The Perpetual Nervousness consiguen a la primera.»

35. Kae Tempest – The Line is a Curve

«‘The Line Is A Curve’ es el primer trabajo de Tempest tras declararse como persona no binaria en 2020 y cambiar el Kate por Kae. Y lo cierto es que, aunque no hay muchas referencias a esto, sí que es su disco más personal hasta la fecha. La sociedad de su país ya no es la protagonista de sus canciones, ahora habla del amor, el aislamiento o la ansiedad. Pero lo bueno es que lo hace desde una perspectiva un tanto esperanzadora. En parte, gracias a la música que adorna estas letras. Junto a su amigo, el productor Dan Carey, han creado unas canciones en las que los teclados minimalistas cobran protagonismo. Y funciona de maravilla, porque casan estupendamente con la delicadeza y elegancia tan british que tiene Tempest a la hora de rapear.«

34. The Smile – A Light for Attracting Attention

«Hace unos meses, cuando anunciaron este disco, comentaron que no era exactamente un trabajo centrado en el rock. Y no deja de ser cierto. Una parte del álbum son baladas muy cercanas al sonido de Radiohead. Lo bueno es que, al contrario que en su anterior disco, aquí sí que resultan muy emocionantes. Empezando por esa “The Same” que lo abre, que no puede recordar más a la época ‘Kid A’. Algo a lo que, por cierto, vuelven un poco más tarde en la escurridiza “Waving a White Flag”. Y hay que decir que vuelven a emocionar con su electrónica minimalista. O esa oscura, y muy cinematográfica, “Pana-vision”, en la que Greenwood lleva al pop todo lo que ha aprendido como compositor de bandas sonoras en los últimos años. Además de esa preciosidad acústica llamada “Free In The Knowledge”, la cual no hubiera desencajado en un disco como ‘The Bends’.»

33. The Soundcarriers – Wilds

«Es imposible hablar de The Soundcarriers y no mencionar a Broadcast y Stereolab. La psicodelia pop que practicaban estas bandas está presente en cada uno de sus discos, y este ‘Wilds’ no es ninguna excepción. Pero eso sí, hay algo que los hace diferentes. Su batidora sonora es mucho más abierta, y en ella meten estilos como la tropicalia, el jazz, o las bandas sonoras de los sesenta. Lo que hace que sus canciones cuenten con un tono más pop, e incluso más bailable. Solo hay que escuchar esa pequeña joya llamada “Waves”, que abre el álbum llevándonos a una pista de baile de lo más cálida. Algo que también ocurre con la estupenda “Driver”, en la que juegan a tope con el sonido retro.»

32. Hurray For The Riff Raff – Life On Earth

«‘Life on Earth’ supone un cambio drástico en el sonido de Hurray For The Riff Raff. Hasta ahora, Segarra se ha dejado llevar por el folk o la música de tradición americana. Una etiqueta que, por cierto, no le gusta nada. Pero ya en su anterior trabajo empezó a meterse en mundos un poco más pop y rock. Y aquí ha terminado de rematar la faena. De hecho, para empezar, el disco está producido por Brad Cook, que ha estado al mando de algunos discos de Bon Iver y Waxahatchee, con la que, por cierto, colaboró en 2020. Además, la electrónica cobra protagonismo en algunas canciones, e incluso se atreve a rapear de una forma un tanto tímida. Pero lo mejor es que sus temas suenan más directos que nunca.»

31. Yeah Yeah Yeahs – Cool It Down

«Musicalmente, nos encontramos con unos Yeah Yeah Yeahs que, en la mayor parte del tiempo, están más contendidos. Así, se dejan llevar por la electrónica, pero de una manera mucho más relajada y ensoñadora. Algo que se aprecia en las bonitas “Lovebomb” y “Blacktop”, donde Karen O prácticamente susurra, en lugar de cantar. Aunque lo mejor de esta faceta llega con “Different Today”, en la que se ponen más luminosos y se hacen con unos beats más contundentes. Aunque la contundencia de verdad llega en la parte de central del álbum. Aquí nos encontramos con una “Wolf” que está pidiendo a gritos un remix para la pista de baile -no puedo quitarme ese teclado asesino de la cabeza-; con la funk “Fleez”, la cual está inspirada en la joven banda neoyorquina ESG (incluso los menciona), y con “Burning”, uno de sus típicos temas de rock abrasivo e inspiración gospel. De hecho, tira bastante de “Sacrilege”, pero la verdad es que es un rollo que les funciona muy bien.«

30. Depresión Sonora – El arte de morir muy despacio

«Con tan solo una escucha de sus canciones, ya es fácil darse cuenta de las razones que lo han llevado a triunfar al otro lado del charco. Por allí, la escena dark y post-punk, está más que consolidada y cuenta con una buena legión de seguidores. Y hay que reconocer que Crespo maneja de maravilla estos sonidos donde las guitarras oscuras, pero muy melódicas, y las cajas de ritmos aceleradas, se llevan buena parte del protagonismo. Sí es cierto que se le notan las influencias por todos los lados, y que a veces coge prestadas cosas muy evidentes –“Voy a explotar” casi podría ser una versión del “Disorder” de Joy Division-, pero lo hace con bastante talento. Además, le da un toque bastante personal.«

29. Thus Love – Memorial

«‘Memorial’ es un disco en el que THUS LOVE pasan de la oscuridad a la luminosidad pop con bastante frecuencia. La voz de Mars juega un poco con la teatralidad que tan buenos resultados le dio a Morrissey, y si a eso le unimos sus juegos de guitarras, nos encontramos con una fuerte influencia de los sonidos post-punk de los ochenta. Algo que, por aquí, siempre es bien recibido. Sobre todo, cuando juegan con su lado más pop, como en el caso de “In Tandem”, o la ya mencionada “Inamorato”. Unos temas que también adornan con unos teclados que hacen que sus canciones se engrandezcan un poco más. Ahí tenemos la estupenda, y casi bailable, “Family Man”, en la que, eso sí, en su parte final, se vuelven un poco más crudos.«

28. Katy J Person – Sound of the Morning

«En los dos años que han pasado desde su álbum de debut, Katy J Pearson ha explorado unas cuantas facetas más dentro del mundo de la música. Primero, colaborando vocalmente en el último trabajo de su amigo Orlando Weeks. Y un poco más tarde subiéndose al escenario con los geniales Yard Act. De hecho, el disco está coproducido por Ali Chant, que también ha producido el debut de estos últimos. Pero el caso es que, todas estas aventuras musicales, le han servido de inspiración para las canciones de este ‘Sound of the Morning’, que es un tanto más pop y directo que primer trabajo. De hecho, se podría decir que es toda una colección de hits.«

27. Mitski – Lauren Hell

«Se podría decir que estamos ante un disco un poco descabalado. En parte, porque no hay un punto intermedio. O nos deja temas de pop directo, o se va a su lado más introspectivo. Aunque, como siempre, tiene grandes momentos en las dos facetas. Así, si nos vamos a su lado más animado, nos encontramos con un regusto ochentero que le sienta de maravilla en cortes como “The Only Heartbreaker” o “Love Me More”. O la sorprendente “Should’ve Been Me”, que casi parece una recreación de aquel “Maneater” de Hall & Oates. Además de “Stay Soft” y “That’s Our Lamp”, dos canciones en las que se acerca al disco. Sobre todo, en la segunda, que es una auténtica maravilla y cuenta con una parte final de lo más festiva.«

26. CMAT – If My Wife New I’d Be Dead

«La verdad es que el disco apenas cae en ningún momento, e incluso las canciones más reposadas enganchan. Ahí está esa “Peter Bogdanovich” en la que declara su amor al director de cine norteamericano –La última película es una de sus cintas favoritas-. O esa “2 Wrecked 2 Care” algo más country y en la que exagera su falsete al máximo. Además de ese himno vaquero llamado “I Wanna Be a Cowboy, Baby!”, que es una pasada. Aunque también tengo que decir que el tema que más me tira de la segunda parte del álbum es esa oda al alcoholismo llamada “Every Bottle (Is My Boyfriend)”, que es todo un hit pop. Y es que, si nos fijamos bien, al final el disco es más pop que country. Y quizá por eso me ha gustado tanto.«

25. Molly Nilsson – Extreme

«‘Extreme’ es el décimo trabajo de Nilsson, y en él nos deja una tanda de canciones un tanto más esperanzadoras. Es más, afirma que este es el momento para cambiar de hábitos y llevar una vida mejor. Y para esto, nada mejor que tener de banda sonora una canción como “Absolute Power”. La canción que abre el disco representa un pequeño cambio en el sonido de Molly Nilsson. Principalmente, por esas guitarras crudas, pero también por su fuerza y por la letra que anima a tirar hacia delante después de toda esta historia. Un sonido al que vuelve en la acelerada “They Will Pay”, que está más cerca del punk que del synth-pop.«

24. Yard Act – The Overload

‘The Overload’ es el álbum definitivo de la era post-Brexit. James Smith, su cantante, y compositor de buena parte de los temas que contiene este disco, tiene talento de sobra para diseccionar a la sociedad de su país. Smith arremete contra el capitalismo salvaje que vive el Reino Unido, y que, lamentablemente, se puede transpolar a buena parte del mundo. Así, nos deja canciones en las que lanza dardos contra los hombres de negocios grises (“The Incident”), o contra el anticapitalista que cambia de parecer en cuanto le llueve algo de dinero (“Rich”). Pero también es capaz de hacer una letra brillante sobre un señor que no quiere nada más que una vida tranquila, y sin lujos, y muere prematuramente de cáncer (“Tall Poppies”).

23. Love, Burns – It Should Have Been Tomorrow

«Phil Sutton es de unos artistas que lleva el pop en la sangre. El británico fue miembro fundador de Comet Gain, con quienes tocó la batería hasta 1997, año en el que, junto con otros miembros de la banda, formó Velocette. Pero, tras esa aventura, se mudó a Nueva York y cambió de vida. En la ciudad de los rascacielos trabaja de bibliotecario, pero eso no le ha impedido seguir componiendo canciones y crear algunas cuantas bandas más. Grupos como The Soft City, Cinema Red and Blue, o los más conocidos Pale Lights, que han pasado por este blog más de una vez. Y ahora Love, Burns, la que se podría decir que es su aventura en solitario.«

22. The Haunted Youth – Dawn Of The Freak

«Como era de esperar, lo mejor de este ‘Dawn Of The Freak’ llega con los temas más directos. Y es que, hay que decir que se les da de maravilla jugar con sus guitarras cristalinas y con esos teclados ensoñadores que lo envuelven todo. Ahí está la ya mencionada “Teen Rebel”, una de esas canciones de la que nunca te cansas. O esa “Broken” tan épica en la que salen a relucir las enseñanzas de The Cure, otra de sus influencias confesadas. Además de “Coming Home”, el tema más potente y pop del disco, y toda una maravilla de lo más esplendorosa. Y ojo con los siete minutos de “Gone” y su final lleno de guitarras ruidosas pero muy melódicas.»

21. Alex G – God Save The Animals

«‘God Save The Animals’ es el primer trabajo que Alex G graba en un estudio. El norteamericano lleva desde los doce años grabando las canciones en su casa, pero esta vez ha preferido contar con un sonido más profesional. Algo que, evidentemente, se nota bastante en el resultado final del disco. Porque, aunque en buena parte del álbum siga tirando de su folk cósmico, ahora suena mucho más profesional. Y hay que decir que le sienta de maravilla, porque canciones como “After All”, “Ain’t It Easy” o “Miracles”, son una pasada. Incluso esa “Immunity” de voz pitufada me ha terminado cautivando. Y ya sabéis que eso de hacer pitufadas con la voz no es lo mío.«

20. Dry Cleaning – Stumpwork

«‘Stumpwork’ empieza con los cinco minutos intrigantes de “Anna Calls From The Arctic”. Aquí ya se puede ver que tratan de hacer algo más accesible dejándose llevar por una tímida caja de ritmos y por unas guitarras que casi te acarician. Como lo hacen las acústicas que protagonizan la estupenda “Kwenchy Kups”, un tema en el que también aparecen unas guitarras que son puro Sonic Youth, y en el que Florence casi se arranca a cantar en su estribillo. Algo que sí hace en la maravillosa “Gary Ashby”, la que se podría decir que es la canción más pop de su carrera. Y si nos vamos a “Don’t Press Me”, nos encontramos con otro estribillo cantado, con un teclado ultra melódico, y con un ritmo de lo más juguetón. Como también lo es el de “Conservative Hell”, que con ese bajo casi parece una canción surf.«

19. Jim Nothing – In The Marigolds

«‘In The Marigolds’ es un álbum al que le podemos poner la etiqueta de indie-pop, pero la verdad es que tampoco sería justo. Aquí predominan las buenas melodías envueltas en guitarras juguetonas y, a veces, muy sucias, pero las atacan de formas muy diferentes. Por supuesto, tiran del clásico sonido neozelandés que los emparenta con antepasados como The Bats o The Clean. Algo que resulta evidente en la estupenda “Seahorse Kingdom”, que cuenta con todos los ingredientes de aquello que bautizaron como Kiwi-Rock. O en la más delicada “Fall Back Down”, que es toda una delicia. Incluso en “Only Life”, donde se ponen un poco más oscuros y el violín de Anita Clark toma protagonismo. Pero hay mucho más que esto.«

18. Panda Bear & Sonic Boom – Reset

«Lo más curioso de ‘Reset’ es que es el disco más accesible de sus carreras. Tanto en solitario como con sus discografías con Animal Collective y Spacemen 3. Y para hacer esta colección de canciones de lo más fresca y directa, se van directos a los sesenta. Lo que también hace que, irremediablemente, su sonido recuerde más al de Panda Bear que al de Sonic Boom. Desde el principio del álbum, con la fantástica “Gettin’ to the Point”, ya se puede ver que la fusión de guitarras acústicas con cajas de ritmos un tanto locas, y con melodías absolutamente sixties, es la combinación ganadora. Y aquí no me queda otra que mencionar, una vez más, a The Beach Boys. Es imposible no acordarse de Brian Wilson en joyas como “Edge of the Edge” y “Danger”. Además de en ese toque veraniego con el cuentan “Everyday” y “Whirlpool”.«

17. Hatchie – Giving The World Away

«‘Giving The World Away’ tiene un comienzo arrollador. “Lights On” es un potente tema de pop con tintes de shoegaze en el que se hace con un estribillo absolutamente demoledor. Algo que, además, riega con un buen chorro de electrónica. Un guion que sigue en “Quicksand”, el gran hit del disco. Y es que, a esta canción compuesta a pachas Dan Nigro, el que es el colaborador de Olivia Rodrigo, no le falta de nada. Tiene el ritmo dance perfecto, el estribillo pegadizo, y el toque ensoñador de Hatchie. Como tampoco le falta de nada a “This Enchanted”, el cruce perfecto entre el mundo shoegaze y el sonido Manchester de finales de los ochenta. Una época a la que también se acerca en “The Rhythm”, donde encontramos un piano house, una guitarra de lo más cruda, y sonidos cercanos a los primeros años del tecno de los noventa. Además de en el tema titular, donde el piano vuelve a cobrar protagonismo.«

16. Los Punsetes – AFDTRQHOT

«El primer tortazo del disco llega nada más empezar. “España corazones” es todo un anti-himno en el que se meten en un buen fregado criticando a esa España de banderitas y en el que nos dejan perlas como «España, España, España, país, bandera, España, con más tontos que listos, con más fuerza que maña». Pero, a pesar de esa mala leche que destilan, estamos ante una canción muy pop y absolutamente pegadiza. Y ojo con su parte final, donde se sacan de la manga un segundo estribillo brutal. Y así siguen en el resto del álbum. Sacando la garra más noise para desear la muerte en a un grupo de personas en “Cerdos” y “Que te vaya mal”, o hablando de los esfuerzos que tenemos que hacer con gente que no nos cae bien, como es el caso de “Cosas que no me gustan”.«

15. Jockstrap – I Love You Jennifer B

«Se mire por donde se mire, ‘I Love You Jennifer B’ es una autentica locura. Desde el principio, con esa “Neon” llena de suciedad y guitarras que se acercan al post-rock, ya se ve que no estamos ante una banda muy convencional. Pero tienen algo con lo que ganan al oyente: su punto melódico. Hagan lo que hagan, no lo pierden en prácticamente ningún momento. Así, te dejan estupendas e inclasificables canciones como “Jennifer B” o “Debra”, donde los ritmos electrónicos toman el mando. Además, en la segunda, no tienen ningún problema en meter una melodía de lo más árabe. O con delicadas canciones que se adentran en un folk de lo más retro, como es el caso de “What’s It All About?” y “Lancaster Court”.«

14. Just Mustard – Heart Under

«Según los propios Just Mustard, querían que el oyente se sintiera como si fuera conduciendo por un túnel con las ventanillas bajadas cuando escuchara este trabajo. Y hay que decir que lo han conseguido. Porque, a sus guitarras, con las que consiguen hacer sonidos de lo más curiosos, hay que añadir la oscuridad -por algo han sido teloneros de The Cure-, esa voz atmosférica y algo misteriosa con la que cuenta Katie Ball, y sus ritmos de batería, que muchas veces pueden sonar algo arrítmicos. Así que sí, me puedo imaginar en un coche con las ventanillas bajadas mientras escucho este disco.«

13. Suede – Autofiction

«‘Autofiction’ es uno de los discos más directos de su carrera, pero no nos engañemos, no es ese disco punk que prometían. Sí es un álbum lleno de guitarras sucias y melodías oscuras, pero también de su habitual épica orquestal. Lo que no tiene es ese gancho más pop con el que contaban sus primeras canciones. Así que se podría decir que han dotado de energía su faceta más oscura. Y ha resultado ser todo un acierto, porque con ella fabrican varios singles potenciales. Solo hay que escuchar esa “She Stills Leads Me On” dedicada a la difunta madre de Brett Anderson, la cual abre el disco con una potencia que hacia años que no tenían. O “15 Again” que, efectivamente, nos hace querer tener quince años otra vez. Además de esa brutalidad llena de guitarras sucias llamada “Personality Disorder”.»

12. Oliver Sim – Hideous Bastard

«Hay momentos realmente bellos en este álbum de debut de Oliver Sim. El primero lo encontramos en la sintética “Hideous”, donde entabla un dialogo musical con Jimmy Somerville, que aporta su inconfundible falsete y se convierte en su ángel de la guarda que le da consejos. Además de ser la canción en la que confiesa que tiene VIH desde los 17 años. Luego tenemos “Never Here”, una pasada de canción que nos muestra el lado más The xx de todo el disco. Aunque bueno, esa delicada balada llamada “Saccharine” también podría estar dentro de un trabajo de su banda. Aunque, personalmente, creo que el gran momento del álbum llega con “Fruit”. Aquí se sale un poco del sonido del resto del álbum y se va al synth-pop para dejarnos una canción de lo más memorable.«

11. Weyes Blood – And in the Darkness, Hearts Aglow

«La gran mayoría de canciones de ‘And in the Darkness, Hearts Aglow’ se cuecen a fuego lento. De hecho, son de duración generosa, y muchas de ellas se van a los seis minutos. Además, apuesta por un pop muy clásico que empieza reposadamente y termina en un derroche de épica orquestal. Y hay que decir que le funciona a la perfección. Algo que resulta evidente en cortes como “It’s Not Just Me, It’s Everybody” o “Grapevine”, en los que su voz te acoge de la forma más cálida entre un manto de instrumentos de cuerda. O en esa “A Given Thing” protagonizada por un piano, con la que cierra el álbum, y que no puede resultar más emocionante.»

10. Wet Leg – Wet Leg

«El álbum de debut de Wet Leg tiene un hándicap. Y básicamente es que puedes coger cualquiera de sus canciones, hacer un vídeo, y tener un single redondo. De hecho, es lo que han hecho con seis de ellas. Temas como “Angelica”, que tiene una guitarra imposible de quitarse de la cabeza, o “Too Late Now”, en la que no se cortan a la hora de recurrir al spoken-word, son alucinantes. Además de esa “Oh No” juguetona y potente, y de la popera “Ur Mum”, que te vuelan la cabeza con una facilidad pasmosa. Y si nos vamos a “Chaise Longue”, el que es su gran éxito, nos encontramos con una joya que cuenta con un bajo electrizante, una guitarra desgarradora, y una letra de lo más mordaz.»

09. Porridge Radio – Waterslide, Diving Board, Ladder To The Sky

«‘Waterslide, Diving Board, Ladder To The Sky’ reincide en el sonido que encontrábamos en el segundo trabajo de la banda de Brighton. Es decir, su rock intenso y capitaneado por la voz de Dana Margolin, sigue siendo el protagonista. Pero hay algo más. Para empezar, es una tanto más grandilocuente. De hecho, la propia Margolin ha confesado que ha buscado «la épica de estadio» en muchas de sus canciones. Pero no os penséis que se han ido a lo fácil. Su épica es un tanto enrevesada. Lo que sí es cierto es que hay elementos que hacen que las canciones suenen un poco más pop. Sobre todo, esos teclados algo juguetones que adornan parte del álbum, y que son todo un acierto.»

08. Big Thief – Dragon New Warm Mountain I Believe In You

«‘Dragon New Warm Mountain I Believe In You’ es un trabajo grabado en cuatro estudios diferentes, y con cuatro ingenieros de sonido diferentes, durante la segunda mitad de 2020. Eso sí, con la supervisión de James Krivchenia, el batería de la banda, en todas las sesiones de grabación. Y claro, todo esto se nota un poco, porque se podría decir que estamos ante varias versiones diferentes de Big Thief. Lo que, precisamente, no hace más fácil la escucha del disco. Además, Krivchenia no es muy dado a repetir tomas, y rara vez las canciones suenan muy elaboradas. Pero, incluso con todo esto, consiguen dar coherencia a este nuevo álbum y desplegar toda la química que tienen en sus canciones.«

07. Beach House – Once Twice Melody

«Sorprende bastante que después de casi veinte años de carrera Beach House sigan impactando con su sonido de siempre. Pero claro, es que, aunque no lo parezca, el dúo de Baltimore ha ido evolucionando con el tiempo. Y no es comparable el minimalismo casi lo-fi de su primer trabajo, con la potencia sonora y prácticamente shoegaze que tenían muchos de los temas de sus últimos discos. Así, nos encontramos con ese enfoque más ensoñador, e incluso cinematográfico, en cortes como “Pink Funeral”, “ESP”, “Over and Over”, o “Sunset”. De hecho, he estado viendo algunas de las influencias de este disco, y entre ellas hay películas como ‘Mi vecino Totoro’ y ‘The Red Shoes’.«

06. Destroyer – LABYRINTHITIS

«Estamos ante un trabajo que está muy cerca de ser redondo. Porque, lo bueno, es que Bejar no se ha ido a lo fácil y ha impregnado de su personalidad todas estas canciones. De hecho, y a pesar de que hay canciones más directas en el álbum, ha elegido algunas de las más extrañas para presentarlo. Pero ahí está interesante del asunto, porque estas canciones funcionan de maravilla. Y es que, esa “Tintoretto, It’s For You” tan oscura y llena de ritmos abruptos, es una autentica pasada. Al igual que “Eat the Wine, Drink the Bread”, que cuenta con un ritmo bailable de lo más contagioso, pero que no se puede decir que sea una canción totalmente pop. Y si nos vamos a “June”, nos encontramos con uno de los singles más extraños de su carrera. Además de con el tema que más recuerda a su etapa ‘Kaputt’.»

05. Dehd – Blue Skies

«‘Blue Skies’ es un disco en el que, como viene siendo habitual, la banda de Chicago va directa al grano. Apenas dura media hora, y la gran mayoría de sus canciones no pasan de los dos minutos de duración. Y si a esto le unimos ese sonido más limpio, y un ligero toque más pop, nos encontramos con un buen montón de temas que funcionan a la perfección como single. Es el caso de esa “Bad Love” tan new-wave que ya tenemos más que contralada -fue el primer adelanto-. O de la juguetona “Bop”, en la que, incluso se atreven a dar un poco protagonismo a los teclados. Algo que se aprecia bastante más en “Empty in My Mind”, una autentica maravilla pop que me tiene conquistado desde el día que salió como single. Y luego tenemos esa genial “Stars” en la que recuperan estupendamente su faceta más rock.«

04. Fontaines D.C. – Skinty Fia

«Musicalmente, estamos ante un trabajo con pocos himnos de post-punk abrasivo con los que hacer pogos en sus conciertos. Sí que hay algún ritmo urgente y nervioso, como el de ese tema inicial en el que se les nota bastante cabreados. O el del tema titular, donde tiran hacia una faceta más electrónica y algo atípica en su música. De hecho, puede ser la única canción en la que sí se nota la supuesta influencia que hay en el álbum del ‘XTRMNTR’ de Primal Scream. Además de esa maravilla llamada “Jackie Down The Line”, que ya se ha convertido en uno de los clásicos de su repertorio. Y bueno, también podríamos meter por aquí “Roman Holiday”, en la que casi se hacen con un himno britpop. Aunque eso sí, más oscuro y sucio.«

03. Black Country, New Road – Ants From Up There

«Black Country, New Road tenían muy claro desde el principio que las canciones de este álbum tenían que ser más directas y comerciales. Es más, mencionan que se fijaron en Arcade Fire a la hora de componer. Pero claro, esto hay que cogerlo con muchas pinzas, porque seguimos hablando de una banda que ha traspasado todas las fronteras del rock. Sus evidentes coqueteos con el jazz, y el hecho de que el violín y el saxo tengan más protagonismo que las guitarras, hacen que prácticamente sea imposible meterles dentro de una etiqueta. Además, no tienen ningún problema en hacer temas largos y con un gran peso instrumental. Así que su idea de lo “comercial” es un poco diferente a la del resto.«

02. Nilüfer Yanya – PAINLESS

«Una de las cosas que más me gusta de Nilüfer Yanya es la sencillez con la que encara sus canciones. Ahí tenemos “dealer”, el efusivo tema que abre el disco. Gran parte de la canción está arropada por un ritmo frenético, su voz, y una sencilla guitarra, pero en el estribillo entra un bajo contundente, y casi parece que ha entrado una orquesta entera. Algo parecido a lo que ocurre con “stabilise”, ese pepinazo marcado por un ritmo breakbeat y una guitarra que te envuelve con su claridad. Dos temas que, casualmente, son los más acelerados y directos del disco. Y es que, en este trabajo, se ha tomado las cosas con mucha más calma.«

1. Alvvays – Blue Red

«Pocas bandas actuales son capaces de llevar tan bien la suciedad guitarrera al pop como Alvvays. Esta fórmula, que hemos escuchado una infinidad de veces, se vuelve de lo más fresca en las canciones de la banda canadiense. Y, además, da igual qué canción del álbum elijas, todas tienen algo. Está ese punteo de lo más guarro que aparece al final de “Pharmacist”; la pesadez tan melódica con la que atacan “Easy On Your Own?”, o la deliciosa faceta jangle-pop que aparece en “Pressed”. Además de lo bien que se les da acercarse al punk en “Pomeranian Spinter”, o como bajan el ritmo para entregar una cruda, y estupenda, canción de dream-pop como “Lottery Noises”.«