Sparks – Hippopotamus

Sparks

Meter a una banda como Sparks dentro de un estilo, es casi imposible. Durante más de cuarenta años, el dúo de Los Angeles le ha dado al Glam, la New-Wave, el Pop Barroco, el Synth-Pop, y todo lo que se les ha puesto por delante. Es más, se les considera precursores de unos cuantos de esos estilos. Pero hay veces que el reconocimiento no viene acompañado de la popularidad, y salvo unos cuantos hits en los setenta, nunca han tenido un excesivo éxito comercial. Afortunadamente, gracias a sus visitas a grandes festivales, y su alianza con Franz Ferdinand (FFS) de hace dos años, parece que empiezan a ser un poco más conocidos entre el público más joven. De hecho, este nuevo trabajo, es su primer Top10 en UK desde 1974.

Hippopotamus” es su álbum número veintitrés, y en él hay una fuerte influencia de los musicales. Y es que, en los últimos años, han dedicado bastante de su tiempo a crear bandas sonoras para estos espectáculos. Así que estamos ante los Sparks más barrocos y teatrales. Aunque, por supuesto, no se olvidan del pop. Una mezcla que da resultados sobresalientes (y títulos hilarantes) en ‘Missionary Position’, ‘Edith Piaf (Said it Better Than Me)’ y ‘Scandinavian Desing’. Estos tres temas, que nos encontramos nada más empezar, demuestran la capacidad que tienen para seguir fabricando hits potenciales. Algo que siguen haciendo a lo largo de todo el álbum y en temas como ‘Unawere’ o ‘The Amazing Mr. Repeat’.

Sparks son como son, y en sus discos siempre nos vamos a encontrar con ese punto extraño y teatral. Sinceramente, no es lo que más me gusta de ellos, pero sí creo que temas tan “personales” como ‘Giddy Giddy’, que es bastante loca, o la canción que da título al disco, tienen su punto. Pero también es cierto que me van más cuando se ponen más dramáticos, como es el caso de ‘What The Hell Is It This Time?’ y ‘So Tell Me Mrs. Lincoln Aside From That How Was the Play?’, que son más guitarreras e intensas. Y si ya nos vamos a ‘A Little Bit Like Fun’, tenemos al dúo norteamericano haciendo una especie de balada electrónica y ensoñadora.

Resulta increíble que, tras cuarentaicinco años de carrera, y veintitrés discos a sus espaldas, sean capaces de seguir haciendo música tan personal y original. Chapó por ellos.

7,7

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Ariel Pink – Dedicated to Bobby Jameson

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Sería absurdo enfrentarse a un disco de Ariel Pink desde una perspectiva normal. El de Los Angeles ha dado buenas muestras de que hace lo que le da la gana, y eso es algo que no va a cambiar. Y la verdad es que mejor que no lo haga, ya que, puede que su pasión por la baja fidelidad le resto algunos puntos a sus discos, pero también forma parte de su encanto. Como también forma parte de su encanto la película que se monta en cada trabajo y lo eclécticos que pueden llegar a ser éstos. Así que lo mejor es meterse en su mundo particular y disfrutar de sus canciones.

Bobby Jameson fue un malogrado cantante de los sesenta que editó varios discos y singles, pero que nunca llegó a triunfar. Tras pasar por un alcoholismo importante, dormir en las calles, y alguna enfermedad producida por la bebida, resurgió a mediados de la década pasada. Lo hizo contando su vida a través de una serie de vídeo-blogs en YouTube, hasta el pasado 2015, año en el que falleció. Todo esto impactó a Mr. Pink, que decidió dedicarle este trabajo y hacer una especie de historial conceptual con el personaje de Jameson de fondo.

Musicalmente, “Dedicated to Bobby Jameson” es otro galimatías de sonidos lo-fi, melodías pop, arrebatos punk, y algún que otro toque folk. El particular mundo de Pink, en el que los ochenta tienen un papel importante, se deja ver nada más empezar, con la histriónica ‘Time to Meet Your Good’, o con el post-punk sucio de ‘Time to Live’. Pero el norteamericano tiene un talento especial para crear pequeños himnos pop. Ahí es donde entra la maravillosa ‘Feels Like Heaven’, en la que nos deja un ensoñador tema de pop oscuro, el alegre corte que da título al disco, o la surfera ‘Bubblegum Dreams’. Incluso sorprende con una pseudo balada folk como ‘Another Weekend’, y con ‘Kitchen Witch’, en la que recupera su faceta más synth-pop. Y, bueno, luego está ‘Revenge of the Iceman’, que cierra el disco recordando lo que molaba el macarra de Andrew W.K.

Una vez más, Ariel Pink se ha salido con la suya, y ha conseguido que nos metamos en su mundo tan personal y extraño.

7,7

Ducktails – Jersey Devil

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Jersey Devil” es el primer trabajo de Matt Mondaline con Ducktails tras dejar Real Estate. El de New Jersey ahora se dedica a tiempo completo a su proyecto en solitario, y es algo que se nota en este sexto álbum. Digamos que su bedroom-pop ya no es tan “bedroom”. Ha contado con la ayuda de John Anderson (Sky Ferreira y Girls) a la producción, y lo ha mezclado en los estudios que tienen Sonic Youth en Hoboken. Algo que se nota bastante en el sonido, que ha ganado en cuerpo y detalles.

El estilo sigue siendo el mismo, y por aquí nos volvemos a encontrar una colección de canciones ensoñadoras y reposadas. Pero, ahora, tienen un poco más de fuerza. Aunque tampoco mucha más, siguen siendo perezosas y preciosistas. Eso sí, resulta curioso que, ahora que ya no forma parte de Real Estate, suene más que nunca a ellos en ‘In the Hallway’, o que recupere parte de la distorsión de antaño en ‘Keeper of the Garden’. Incluso se pone algo marchoso en la genial ‘Shattered Morror Travel’, y en ese himno indie-pop llamado ‘The Rising Sun’.

Aunque se sale un poco del camino habitual en esos temas que he comentado más arriba, lo suyo sigue siendo ese pop de dormitorio sin sobresaltos. Es el caso de ‘Map to the Stars’, el precioso tema abre el disco, o de ‘Light a Candle’, que viene inmediatamente después. Pero es en la preciosa ‘Lover’ donde obtiene mejores resultados. Toda gracias a su batería, y su pequeño filtro sintético.

Una vez más, un disco de Ducktails no va a cambiar el mundo, pero la verdad es que le ha quedado un álbum bonito e ideal para las próximas fechas otoñales.

7,5

Rostam – Half-Light

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En la última década, Rostam Batmanglij ha dado buenas muestras de su enorme talento. Ya no solo como teclista y uno de los principales compositores de Vampire Weekend, desde que dejó la banda el año pasado, ha estado involucrado en varios proyectos, los cuales han culminado en su primer trabajo en solitario. Un primer álbum ecléctico, que no es lo que me esperaba, pero que tiene varios momentos interesantes.

Half-Light” funciona muy bien cuando aparece la influencia de los Beach Boys. Esto no es nuevo, ya que, en el último disco de Vampire Weekend, los de Brian Wilson eran una referencia constante (‘Hanna Hunt’ es puro “Pet Sounds”). Aquí nos encontramos con una preciosa ‘Sumer’ inicial que va descaradamente por ese camino. Pero no es la única, también escuchamos estos ecos en el corte que da título al álbum, o en ‘Thatch Snow’.

Estamos ante un trabajo que, en su mayor parte, es bastante tranquilo. Además, con resultados excelentes, como es el caso de ‘Never Going To Catch Me’ o esa ‘Gwan’ que publicó como single, y que es maravillosa. Pero también se sale de esta tangente de vez en cuando, y se saca de la manga algún que otro hit. Es el caso de ‘Bike Dream’, un tema de lo más pop, con una base rítmica de lo más contundente. Lo malo es que intentan abarcar muchos palos, y algunos de ellos resultan un tanto fallidos. Es el caso de ‘Wood’, y su toque árabe, o el R&B de ‘Hold You’, en el que pone la voz Angel Deradoorian, la que fuera integrante de Dirty Projectors. Sin embargo, sí que acierta metiendo una especie de batucada en ‘Don’t Let It Get To You’, o acercándose al reggae en ‘Rudy’.

Half-Light” es un trabajo un tanto irregular, al que, quizá, le sobran tres o cuatro canciones. Pero al menos hay que reconocerle que ha intentado hacer algo diferente a lo que nos tiene acostumbrados, y eso ya es algo.

7,3

Cut Copy – Haiku From Zero

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Hace cuatro años ya que Cut Copy editaron “Free Your Mind”, su particular homenaje a los veranos del amor (el del 69 y el del 89), que no gustó mucho ni a crítica ni a público – a mí sí que me pareció un buen disco, y una recuperación fantástica de los sonidos acid-house, y de la escena de Manchester-. Ahora vuelven con un nuevo trabajo, en el que vuelven a ser los Cut Copy de siempre, pero con algún que otro nuevo ingrediente y, por desgracia, un poco más sosos que de costumbre.

Haiku From Zero” es un disco mucho más limpio que sus trabajos anteriores, en el que apenas hay retazos de su faceta más shoegaze, y en el que están más bailables que nunca. A su vez, también es un álbum en el que han abrazado sonidos más tropicales y cálidos. Quizá, por eso, han lanzado como primeros singles ‘Airbone’ y ‘Standing In The Middle of The Field’, que funcionan bien como representación de lo que hay dentro del disco, pero que no son lo mejor de él. Y es que, las guitarras funkies, y los ritmos disco, están a la orden del día en el quinto largo de los australianos. Algo que vuelven a demostrar en la fabulosa ‘Counting Down’, y en ‘Black Rainbows’, la que, muy acertadamente, han elegido como tercer single. Y es que, aquí están los Cut Copy de toda la vida, pero con esos nuevos matices tropicales, que no les sientan nada mal.

Como comentaba más arriba, lo mejor del disco no son los singles, ese puesto le corresponde a ‘Stars Last Me a Lifetime’ y a ‘No Fixed Destination’. En la primera nos encontramos con un synth-pop tranquilo y muy comercial (casi parecen los Killers), en el que están un tanto ensoñadores. Sin embargo, en la segunda, van a degüello desde el primer segundo, y nos dejan un hit marca de la casa absolutamente genial. Y es que, cuando recuperan las baterías reales y sacan a pasear las guitarras, son infalibles. Lástima que no nos dejen alguna más de estas, y que, a partir de esta canción, el disco vaya cuesta abajo. Y es que, de los tres últimos temas solo salvaría la muy bailable ‘Living Upside Down’, ya que ‘Memories We Share’ me ha parecido una canción demasiado evidente y simplona, y ‘Tied to the Weather’ tarda demasiado en despegar.

No sé sí está vez acertarán con la crítica, y volverán a ser una de las bandas favoritas de la prensa, pero, para mi gusto, han pegado un pequeño bajón, y al disco le faltan dos o tres temas redondos más.

7,7

Streaming

EMA – Exile in the Outer Ring

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Me he pasado medio verano con este disco metido en el iPhone, pero no he podido escucharlo. No por falta de tiempo, si no por falta de interés. Y es que, pasarme mis vacaciones escuchando un trabajo que es el mal rollo hecho disco, no entra dentro de mis planes. Pero ahora, que ya llevo unas semanas levantando el país, me he puesto con él. Además, sorprendentemente, se ha convertido en uno de mis discos de cabecera de los últimos días.

EMA es una artista muy poco convencional, y sus discos siempre tienen un pequeño toque experimental. Lo bueno es que siempre sabe fusionar esa experimentación con un sonido un tanto más pop. Algo que repite en este “Exile in the Outer Ring”, donde hay ruido y mal rollo, pero también suavidad y melancolía. Como la que muestra en ‘7 Years’, el precioso tema inicial, que no es otra cosa que una delicada balada con tintes lo-fi. O en ‘Receive Love’, donde la claridad le gana la partida a la distorsión. Y luego tenemos la fantástica ‘Always Bleed’, en la que fusiona el noise con un tono más ensoñador y, para colmo, mete unas guitarras heredadas de New Order, que son una delicia.

El tercer trabajo de la de Dakota del Sur, está dedicado a sus vecinos; esa “White Trash” que ha puesto al rubio oxigenado en la Casablanca. Digamos que es un tortazo, por cierto, bien merecido, que da a la Norteamérica actual. Y lo hace con temas tan crudos y esquivos como ‘Breathlyzer’, ‘I Wanna Destroy’ o ’33 Nihilistic and Fermale’, donde hay ecos de la primera PJ Harvey, o de los Sonic Youth más oscuros. Afortunadamente y, como ya he comentado antes, sabe rebajar parte de esa crudeza, y darle un toque más melódico. Ahí está esa ‘Aryan Nation’, que casi podría ser un hit. O ‘Down and Out’, que gana puntos con su simpleza. Además, es un descanso de tanto ruido.

Exile in the Outer Ring” es un disco crudo, rabioso y de difícil digestión, pero también es un trabajo absolutamente necesario, que nos recuerda la mierda de mundo en el que vivimos.

8

Novedades 2017 (6ª Parte)

 

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Empieza el curso, y los nuevos lanzamientos salen hasta de debajo de las piedras. Este mes de septiembre está siendo excepcional., y cada viernes nos encontramos con una pila de discos por escuchar. Esto se ve reflejado en la recopilación de este mes, en la que hay mucha canción de discos que ya he reseñado por aquí. Es el caso de The National, Alex Cameron, Lali Puna o The Pains Of Being Pure At Heart. Pero también hay una docena de canciones de discos que están por venir. Ahí es donde entra lo nuevo de John Maus, Cut Copy, el temazo bailable de The Horrors, o el soul potente de Curtis Harding. Además de Lina Tullgren, una chica que no conocía, y me ha encandilado con los adelantos de su nuevo álbum.

Espero que os guste.

1. In Chains / The War On Drugs 7:21
2. Politics of Love / Alex Cameron 4:32
3. No Logic / Shout Out Louds 3:24
4. The Combine / John Maus 3:39
5. Siphon / Zola Jesus 3:50
6. One More Time / Orchestral Manoeuvres In the Dark 3:07
7. Tonite / LCD Soundsystem 5:47
8. The Bucket / Lali Puna 3:34
9. Bad Ones / Matthew Dear feat. Tegan and Sara 4:38
10. Standing in the Middle of the Field / Cut Copy 5:32
11. Something To Remember Me By / The Horrors 6:40
12. The Garret / The Pains Of Being Pure At Heart 4:30
13. Day I Die / The National 4:32
14. Party in the Dark / Mogwai 4:02
15. Valley Boy / Wolf Parade 3:37
16. Your Type / Alvvays 2:04
17. Asktell / Lina Tullgren 2:57
18. Feels Like Heaven / Ariel Pink 3:16
19. Everyone You Meet / The Clientele 4:19
20. On And On / Curtis Harding 3:46
21. Dear Life / Beck 3:44
22. Half Light / Rostam ft. Kelly Zutrau 3:31