Shamir – Revelations

Shamir - Revelations - Album Art

A simple vista, resulta lógico pensar que Shamir está saboteando su carrera, pero creo que lo que realmente está haciendo es buscar su sitio. Y es que, el músico de Las Vegas, empezó a lo grande, con un Ep y un álbum de debut centrados en el dance, el funk, el hip-hop, y su peculiar voz, tan aguda. De ahí salió la enorme ‘On The Regular’, todo un hit que le hizo famoso y le llevo a la televisión norteamericana. Tras esto, todo el mundo se esperaba una continuación del mismo palo, pero, el primer aviso de que esto no iba a ser a así, llegó año pasado. Su ‘Tryna Survive’, la cual hizo para una campaña publicitaria de Ray-Ban, era una auténtica delicia de funk sixties, que pasó sin pena ni gloria (lo de no subirla a las plataformas de streaming fue un error). Aunque el gran cambio llegaría a principio de este año, con “Hope”, un disco que grabó en su casa en un fin de semana, y que regaló en su soundcloud. Ahí ya vimos su nueva pasión por el sonido más lo-fi, y por unas guitarras más ruidosas que de costumbre. Algo con lo que continua en su nuevo trabajo.

Revelations” podría haber sido un gran disco, o por lo menos uno notable, pero está nueva obsesión por no producir sus discos y darles un sonido absolutamente maquetero, le resta puntos. Y es que, las buenas ideas están ahí, pero no cuenta con los ingredientes necesarios para llevarlos a cabo. Como prueba, ‘90’s Kids’, la canción mejor producida del álbum, y la más acertada. También es cierto que es la menos guitarrera, y un piano es el gran protagonista. Además, el hecho de que sea single y cuente con un vídeo absolutamente brillante, sirve de ayuda.

Si pasamos por alto su sonido, es posible disfrutar de unas cuantas canciones del disco, como ‘You Have a Song’, donde se pone de lo más oscuro. Algo, por cierto, de lo más complicado con esa voz. También resultan interesantes ‘Her Story’, ‘Blooming’, la cual podría ser la versión lo-fi de esa ‘Tryna Survive’ que comentaba más arriba, o las bonitas ‘Float’ y ‘Astral Plane’. Pero, la otra gran canción del disco, es esa preciosidad llamada ‘Straight Boy’, con la que cierra el disco a lo grande. Le ha quedado tan redonda que, hasta el sonido chungo, le viene bien.

Si tuviera a Shamir delante, trataría de convencerle de que regrabara todo el álbum de nuevo, y le diera la producción que se merece. Pero como no lo tengo, me como su rollo lo-fi con patatas.

6,7

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Daniele Luppi & Parquet Courts – Milano

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Tengo que reconocer que, a pesar de que escuché alguna vez su anterior trabajo, me había olvidado completamente de Daniele Luppi. Este artista italiano, conocido principalmente por sus composiciones para cine y televisión, tiene muy buenos amigos, los cuales le ayudan cada vez que se dedica al pop y al rock. Ya, en ese álbum anterior, que hizo junto a Danger Mouse, y que no era otra cosa que una banda sonora para una película inexistente, había colaboraciones de Jack White y Norah Jones. Ahora va mucho más allá, y edita un disco junto a Parquet Courts, en el que Karen O, de Yeah Yeah Yeahs, pone la voz a unos cuantos temas.

A pesar de que “Milano” empieza con la deliciosa, y muy Pavement, ‘Soul and Cigarette’, estamos ante un trabajo que es puro nervio. No obstante, se podría decir que es el cruce perfecto entre Parquet Courts y Yeah Yeah Yeahs. Y es que, es casi imposible que, estando Karen O de por medio, no nos acordemos de su banda. Canciones como ‘Talisa’, ‘Flush’ o ‘The Golden Ones’, tienen ese toque lo-fi y desenfado con el que contaba “Fever to Tell”, pero con un punto bastante más de andar por casa. Sin embargo, en ‘Pretty Prizes’, se salen de la norma, y se montan un dúo estupendo que no puede recordar más al Bowie de los setenta.

Está claro que, tanto Parquet Courts como Yeah Yeah Yeahs, tienen una gran influencia del rock neoyorquino, y es normal que les salga constantemente. Y es que, aunque el disco pretenda ser un homenaje a la ciudad de Milan, temas como ‘Mount Napoleon’ o ‘Memphis Blues Again’, huelen una barbaridad a la suciedad del bajo Manhattan de los sententa. Aunque, eso sí, Luppi mete algo de baza y algún saxo que otro. Sobre todo en ‘Café Flash’, el tema que cierra el disco fusionando jazz y rock.

No sé si el propósito de Daniele Luppi era que este trabajo sonara a sus compañeros de proyecto, pero, sí es así, lo ha conseguido. Y yo encantado.

7,7

Curtis Harding – Face Your Fear

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Curtis Harding es uno de esos artistas actuales que bien podría haber tenido su carrera musical en los setenta. Su pasión por el soul clásico le llevó a editar un álbum de debut que tuvo unas críticas excelentes y lo puso en el mapa de los artistas a los que había que seguir. Era un disco ecléctico en el que no solo había soul, también encontrábamos algo de rock, r&b y pop y, en general, todo lo bueno que ha dado la música negra de las últimas cinco décadas. Ahora, tres años después, vuelve con un segundo trabajo menos ecléctico, pero igual de interesante.

Face Your Fear” es mucho más soul que su debut, y se nota bastante que detrás de la producción está Danger Mouse. Y es que, no es un secreto que el de Gnarls Barkley es todo un experto recreando sonidos añejos. Y este álbum al completo es una buena prueba de ello. Solo hay que escuchar la impresionante ‘On And On’, uno de los singles del disco, y uno de los mejores homenajes al northern soul que se han hecho en los últimos años.  No puede ser más maravillosa, y esas trompetas, junto a su potente base rítmica, son irresistibles. Como irresistibles son la juguetona ‘Till The End’, y ese pedazo de himno llamado ‘I Need Your Love’, en la que, por cierto, suena bastante a Cee Lo Green, para el que hizo los coros hace unos años.

No todo son himnos de soul bailable en el segundo trabajo del norteamericano, también sabe cómo tocar la fibra con sus composiciones más densas. Ahí está esa ‘Wednesday Morning Atonement’ con la que abre el álbum, y en la que le da protagonismo a una cruda guitarra. Algo que también ocurre con la psicodélica ‘Go As You Are’, que es un tanto esquiva hasta que llega a su melódico estribillo. Y si ya nos vamos a ‘Ghost Of You’ y ‘Need My Baby’, nos encontramos con un intérprete de una enorme sensibilidad, y una gran elegancia.

Evidentemente, con esas referencias, no estamos ante el músico más original de la actualidad, pero sí ante uno que tiene muy claro que cuenta con el talento necesario para crear grandes canciones centrándose en unas influencias muy clásicas.

7,9

Julien Baker – Turn Out The Lights

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No es que yo sea muy de folk, pero, de vez en cuando, sale algún disco de este estilo que me gusta bastante. Es el caso del segundo trabajo de Julien Baker, una chica de Memphis que está recibiendo unas críticas de lo más entusiastas con este “Turn Out The Lights”. Y no es para menos, ya que, además de sonar desgarrador y triste, Baker no solo se centra el folk. Ahí es donde reside la magia de este disco. Sus incursiones en el rock alternativo y el slowcore, hacen que este trabajo gane puntos. Pero es su voz, que desprende melancolía y rabia a raudales, la que la diferencia de otras chicas folkies.

Estamos ante un disco de lo más triste, en el que una chica de apenas veinte años nos habla de temas como el suicidio o la salud mental. Así que ya os podéis imaginar la intimidad y sinceridad que hay por aquí. Su voz resulta refleja toda esa rabia y frustración, y con ella consigue captar la atención del oyente, el cual termina recibiendo todos los sentimientos que quiere expresar. Algo que no es nada fácil.

Una de las diferencias principales con su debut, es que aquí el piano está mucho más presente. De hecho, prácticamente, es el instrumento principal. Baker lo fusiona de maravilla con su guitarra limpia y cristalina, dejándonos temas tan buenos como ‘Appointments’ o el que da título al álbum, donde muestra un nivel de intensidad brutal. Sobre todo en la segunda, en la que pisa el pedal de distorsión y nos deja una canción en la que contempla la idea del suicidio. Aunque no tiene intención de hacerlo. Este tipo de temas, que empiezan relajados y van creciendo, son la tónica en el álbum. Ahí está la maravillosa ‘Sour Breath’ y ese desgarrador “The harder I swim, the faster I sink” con el que la termina. O ‘Claws in Your Back’, que cierra el álbum con Baker dándolo todo. Aunque lo mejor viene en ‘Happy to Be Here’, la cual, a pesar de ese título, de happy tiene poco. Eso sí, es la canción más “animada” del disco y la más noventera.

No es un disco nada fácil, ya que carece de una base rítmica (no hay ni una sola batería y ni un solo bajo en todo el álbum) y es algo deprimente, pero su forma de interpretar, el talento que desprende y, sobre todo, su sinceridad, te enganchan con facilidad.

8

Baxter Dury – Prince of Tears

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Baxter Dury empezó su carrera maravillosamente, con dos discos estupendos, y un tercero que terminó de encumbrarlo y le quitó el San Benito de ser el hijo de Ian Dury. Desgraciadamente, en su anterior trabajo, el irregular “It’s A Pleasure”, vimos las primeras muestras de agotamiento de su fórmula, algo que se acentúa en este nuevo álbum. Y es que, el británico se ha preocupado más de sonar sexy y elegante, que de darle un buen estribillo y una buena melodía a las canciones. Y claro, termina resultando un trabajo bastante soso.

Prince of Tears” se abre con la intrigante y funky ‘Miami’, en la que Dury deja claro (por si no lo había hecho ya), que le encanta un buen spoken-word. No está mal, pero la verdad es que ya empieza a cansar este rollo dandy que se ha montado. Más intrigante y misteriosa es ‘Porcelain’, donde la gran protagonista es, una vez más, Madelaine Hart, que sigue siendo su mejor aliada. Eso sí, lo bien que canta la chica no quita que el tema sea un coñazo. Muchos mejores resultados obtienen en ‘Mungo’, el corte siguiente, y uno de los mejores del álbum. Quizá, porque se montan un dúo de lo más animado y con más sentimiento que casi todo el resto del disco. Y en este carro podemos meter ‘Listen’ o ‘Almond Mink’, donde podemos escuchar a Jason Williamson, de Sleaford Mods. Pero, sin duda alguna, es en la simpática ‘Letter Bomb’, donde se pone un poco más gamberro.

Lo que no entiendo es por qué no hace más temas cercanos al soul. Aquí vuelve a demostrar que es algo que se le da bastante bien. Y lo hace en dos cortes, la genial ‘August’, y en esa preciosa ‘Prince of Tears’ que cierra y da título al álbum. Tiene la voz y la chulería necesaria para sacar adelante este tipo de canciones. Además, Hart le da un punto femenino de lo más chulo. Una lástima que no tire más hacia ese camino.

El quinto álbum de Baxter Dury tiene sus momentos, pero, en conjunto, resulta un tanto aburrido.

6,9

Novedades 2017 (7ª Parte)

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Tengo que reconocer que, en cuanto a novedades musicales, este mes ha estado bastante bien. Es más, he tenido que dejar alguna que otra canción fuera. Así que, entre los adelantos y las canciones de álbumes que ya han pasado por aquí, creo que ha quedado una recopilación de lo más interesante.

De esas nuevas canciones que han ido saliendo en las últimas semanas, destaco los temazos de Cold Cave, Fever Ray o U.S. Girls. Además del sorprendente regreso en plan “dark” de MGMT, o de The Breeders, que han sacado un nuevo tema excelente. También están en muy buena forma los grupos españoles, como Alexanderplatz (el que fuera la mitad masculina de Klaus&Kinski) y Carolina Durante, un nuevo grupo madrileño que va a dar mucho que hablar. Sorprendentemente, el britpop también nos ha dejado cosas interesantes. Una de ellas es lo nuevo de DMA’S, el grupo australiano más british, que vuelve con un single perfecto. Pero la mayor sorpresa llega con Noel Gallagher y su nueva canción. El que fuera líder de Oasis, se ha sacado de la manga un tema sucio y psicodelico maravilloso, en el que está más cerca de Primal Scream que de toda la sosería que ha sido sacando estos últimos años.

Espero que os guste.

1. Glory / Cold Cave 5:15
2. To the Moon and Back / Fever Ray 3:32
3. Deadly Valentine / Charlotte Gainsbourg 6:05
4. Bad Baby Pie / Torres 4:40
5. Miami / Baxter Dury 4:34
6. Little Dark Age / MGMT 4:59
7. Podrías Haberte Quedado Quieto / Alexanderplatz 3:50
8. No Fixed Destination / Cut Copy 4:14
9. We Were Beautiful / Belle & Sebastian 4:25
10. Mad Is Hell / U.S. Girls 3:01
11. Cover From the Sun / Destroyer 2:14
12. I’m Here for Now / Kelley Stoltz 3:23
13. Holy Mountain / Noel Gallagher’s High Flying Birds 3:55
14. Dawning / DMA’S 3:09
15. La Noche de los Muertos Vivientes / Carolina Durante 3:43
16. Wait In The Car / The Breeders 2:04
17. Fire in Cairo / Luna 3:29
18. Asktell / Lina Tullgren 2:57
19. Khidr (American Drifter Music) / Peter Matthew Bauer 4:17
20. Heartstruck (Wild Hunger) (feat. Angel Olsen) / Hamilton Leithauser 3:30
21. Hurts To liv / LIV 5:02
22. Call It Off / CHVRCHES 5:00

Courtney Barnett and Kurt Vile – Lotta Sea Lice

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Tarde o temprano, la amistad entre Courtney Barnett y Kurt Vile tenía que acabar en un proyecto conjunto. Los dos artistas tienen muchas cosas en común, y un mismo punto de vista a la hora de crear canciones. Eso sí, en esta primera colaboración, ha sido él el que ha ganado la partida. Y es una pena, porque en lugar de escuchar a Barnett tirar hacia el folk y la psicodelia, nos hubiera gustado escuchar a Vile haciendo indie-rock y pop. Eso en cuanto al sonido, porque, en cuanto a composiciones, están a la par.

Lotta Sea Lice” está compuesto de nueve canciones, donde hay composiciones conjuntas; una de Vile que hace Barnett (y viceversa), y alguna que otra versión. Entre estas últimas encontramos ‘Fear Is Like a Forest’, un tema original de Jen Cloher, la mujer de Barnett, que, curiosamente, es lo mejor de todo el álbum. O por lo menos lo más emocionante, ya que las guitarras suenan más ásperas, y la ayuda de la batería de Warpaint, le viene de maravilla. Pero lo mejor es el dúo de voces, que va cogiendo intensidad y creciendo hasta acabar rodeado una maraña de guitarras rugientes. El otro gran momento del disco es ‘Over Everything’, que es el corte más pop del mismo. Y es que, aunque él me gusta, yo tengo predilección por lo que hace ella, y este tema es el que más se asemeja a su rollo. Aunque también tengo que decir que esa ‘Continental Breakfast’ tan americana, y el tono juguetón de ‘Blue Chesse’, también me han gustado.

Donde no se han comido mucho la cabeza es en la versión que cada uno hace del otro. Vile revisiona el ‘Out the Woodwork’ de Barnett y lo rebautiza como ‘Outta the Woodwork’. Pocos cambios más hay. Al igual que ella, que bautiza el ‘Peeping Tomboy’ y lo convierte en una delicada canción acústica llamada ‘Peepin’ Tom’. Y, para terminar, se acuerdan de Belly y su ‘Untogether’, una de las pocas canciones en las que las norteamericanas no sacaban las garras y la distorsión a pasear. No hace falta decir que ellos dos tampoco.

No es un mal disco, tiene canciones notables, pero si le falta un poco de riesgo y algo más de garra. Aunque eso sí, como leí en algún sitio, es un disco en el que está Kurt Vile y no se hace largo. Un comentario lleno de mala leche, pero al que no le falta razón.

7,4